Xavi Borrell | Dir. Ficción

La visión de un director de ficción, entretenimiento y publicidad

Xavi Borrell

Xavi Borrell es director de series de televisión, de entretenimiento y publicidad. Cuenta con una amplia experiencia tanto en dirección de ficción (series como Águila Roja o Sin tetas no hay paraíso) como en dirección de cortos, documentales, videoclips, debates televisivos, concursos, reality shows, programas infantiles, publicidad, spots, etc. Trabajos en los que, no solo ha formado parte como director, sino también como realizador y, en algunas ocasiones, como guionista. 

GlobomediaEl TerratTVAztecaMediacrestDiagonalTV, Ficción TV_Zeta Audiovisual… o TV3 (como en el caso de las series Temps de Silenci i Ventdelplà) son algunas de las empresas que han contado con él para sus proyectos. Cabe decir que es el único director español que ha dirigido telenovelas en México. Y, por supuesto, como todo profesional que ame su legado, cuenta con una larga experiencia como docente en varias universidades (ESCAC, UIC,…).  

 

NOTA PREVIA: Usaré el tipo de fuente Courier, el necesario en la entrega de guiones. Parece que le va…

 
 

Xavier, ¿Cuántos capítulos has dirigido entre las series de mayor audiencia?

Capítulos de prime time, unos 100. Pero, en total, sobre los 1400 y 20 series (según la SGAE) porque también he dirigido muchas series diarias y de ahí que el número total de capítulos que he tenido la oportunidad de dirigir sea tan alto.

¿Cuál fue tu primer trabajo en solitario?

En 1998, DiagonalTV me contrató para ser uno de los directores de una serie diaria que se llamaba Calle Nueva y se realizaba en Madrid, para TVE. Ellos tenían la experiencia de series que habían gozado de mucha popularidad en TV3. Fue el momento en que volvió el interés por la ficción en TV, después de un periodo más bien escaso. Anteriormente, TVE había producido obras de gran calidad como Fortunata y Jacinta, Los gozos y las sombras o Ramón y Cajal. Pero todas ellas se hacían en formato cine y no se había contemplado, prácticamente, otro tipo de grabación que no fuera cinematográfica (y mucho menos en formato multicámara y en vídeo). La irrupción de las televisiones privadas ayudó, poco a poco, a la aparición de la ficción en la tele de un modo más constante y exitoso.

 

La irrupción de las televisiones privadas ayudó, poco a poco, a la aparición de la ficción en la tele de un modo más constante y exitoso.

 

¿Quiénes te han llamado para dirigir su creación?

Para ficción (series), varias productoras: la que te comentaba anteriormente, DiagonalTV y, después, algunas otras como Globomedia, El Terrat, Gestmusic, Star Line TV, Grundy y Boca a Boca.

Empecé mi carrera en TVE en los ’80. De lo primero que hice, me gusta recordar una serie de documentales sobre Egipto que hicimos con Terenci Moix. Trabajé como ayudante de realización y después como realizador de otros programas. Luego, la productora de Sergi Schaaff  me contrató para arrancar Canal 9, la antigua televisión valenciana, como realizador de varios programas estrella. A partir de ahí, fui trabajando de realizador para todo tipo de programas en numerosas cadenas de televisión, como concursos presentados por Constantino Romero, musicales, infantiles, debates, realities (como Valor y Coraje donde dirigí muchas dramatizaciones con actores), etc.

Anteriormente, también estuve colaborando con Lolo Rico (la creadora de La bola de cristal) para una serie juvenil de ficción, coproducida por Claudio Biern, que no se llegó a realizar por la dimisión anticipada de Pilar Miró como directora de TVE.

Entre todos ellos, destacaría mis colaboraciones con Joaquim Mª Puyal, para TV3 y luego para TVE, en el programa presentado por Julia Otero (Un paseo por el tiempo).

Como documentalista, hice una serie de documentales para ARTE (una importante cadena francesa) en combinación con TVE y la productora Atomis Media, dirigida por Isabel Raventós y Sergi Schaaff.

Joan Bas y Jaume Banaclocha, los CEOs de DiagonalTV, me dieron la oportunidad de pasarme a la ficción a finales de los ’90 y, desde entonces, lo que más he dirigido han sido series de televisión, aunque con la productora Minoría Absoluta, y bajo la dirección de Toni Soler, trabajé de realizador para el exitoso programa Polònia, además de llevar a cabo otros proyectos. 

Actualmente, compagino mi trabajo de director con la de producción ejecutiva.

¿Cómo es trabajar en un set? ¿Qué relación mantienes con los miembros del staff? ¿Con cuáles repetirías y con cuáles deseas tener una oportunidad?

Es una pregunta muy amplia… Trabajar en un set es muy excitante para mí. Me gusta el trabajo con los actores y con la cámara. Creo que se tiene que interactuar al 100% con los dos factores y trabajar muy codo a codo con el director de fotografía, además de con el departamento de arte, decorados,… Es todo un summum de variables que hacen que el producto quede lo mejor posible.

 

Es todo un summum de variables que hacen que el producto quede lo mejor posible.

De poder, me gustaría repetir con Daniel Écija, trabajar con Bambú, con la productora de Álex Pina y con Mediacrest, en la que el responsable de ficción Alberto Macías está preparando proyectos muy interesantes. 

¿Qué relación tiene un director con los actores/actrices? Hitchcock, a diferencia que Ingmar Bergman, decía que prefería trabajar con actores que no procediesen de una academia, de un método. Comentaba que suelen pretender ser creativos y que, por ello, no le interesaban. ¿Tú prefieres darles libertad o que sean estrictos con el guion?

La relación con los actores es muy importante y es muy delicada. Porque hay directores que cuidan a los actores y les gusta dejarlos improvisar (por lo que están muy supeditados a ellos). Y, en cambio, hay otros (como tú bien dices en la pregunta), como Hitchcock que los tienen “maniatados”. En este caso ellos están muy supeditados a lo que les dice el director y a lo que exige el guion.

 

La relación con los actores es muy importante y es muy delicada.

Yo creo que hay que dejarles que te aporten su granito de arena, porque ellos también conocen muy al dedillo al personaje; pero depende mucho del tipo de series. Cuando son series largas, necesitas que los actores te aporten muchísimo porque hay tal cantidad de tramas y de personajes que, a veces, no llegas a todos; pero, en series cortas, tienes que llevar tú la batuta y me gusta tener muy claro lo que quiero de los actores y lo que les voy a pedir: prefiero darles opciones y, a partir de ahí, que ellos puedan aportar algo, pero ser yo el que lleve las riendas porque, sino, se puede estirar el trabajo demasiado y no solemos tener mucho tiempo. Yo soy muy fiel al guion, la verdad.

¿Ser realizador y guionista ayuda a ser director?

Hay muchos tipos de directores. Hay directores que han sido antes actores y esto les puede dar un plus a la hora de dirigir a los actores. Diciéndote esto pienso en Clint Eastwood, si bien él mismo también aprendió de grandes directores como Don Siegel y tantos otros. 

Es un compendio de habilidades que todas suman. Yo he sido guionista y realizador en ocasiones y esto, claro, también me ha ayudado.

¿Por qué solemos ver, en las series de diferentes plataformas, que los directores y guionistas de los diferentes capítulos pueden ir cambiando? ¿Cómo existe tal rotación? Es algo habitual y creo que nos genera mucha curiosidad.

Depende mucho del tipo de serie y de la cantidad de capítulos. Las temporadas, cuando son larguísimas, no las puede llevar a cabo un solo director. Hay que repartir el trabajo entre varios directores. 

Por regla general, las series de unos diez capítulos por temporada, en España, el trabajo de dirección se hace entre 2, 3 ó 4 directores. Pero hay series de gran calado, como Juego de Tronos o La Casa de Papel (por ponerte un ejemplo español), que tienen tal complejidad en los capítulos que parecen películas, por lo que no tienes tiempo de hacer más de un par de capítulos o tres por temporada (cada director). 

¿Y cómo son escogidos los directores? Pues muy fácil: los escogen por un lado la productora y por otro la plataforma. El criterio se basa en que hayan dirigido alguna serie de un estilo similar, en la experiencia que tienen y, muchas veces, en el hecho de que las productoras los conocen de haber trabajado con ellos anteriormente.

¿Qué diferencias importantes has encontrado entre las diferentes formas de dirigir? ¿Cómo sabe un director que puede enfrentarse, con éxito, al reto de dirigir tanta variedad de programas, series, videoclips, debates, infantiles, reality shows, concursos…?

Me he preocupado, desde muy joven, de formarme viendo de la Nouvelle Vague, del Neorrealismo Italiano, del cine americano de los años ’50, del Expresionismo Alemán o el cine polaco (Kinematografia)… Es una de las formas de dotarte para abordar los proyectos que te planteen o te plantees. Pero, al mismo tiempo, es muy importante poner amor en lo que haces. 

La versatilidad no es muy común entre los directores actuales porque te suelen buscar por haberte especializado en un género, ya sea en cine o en series: acción, drama, de época… O al menos no es tan común como lo era en la época del cine glorioso americano de los años ’50, donde Howard Hawks era capaz de dirigir un Western y, al mismo tiempo, podía hacerte una comedia.

 

La versatilidad no es muy común entre los directores actuales.

Decididamente ser muy muy cinéfilo siempre te ayudará a poder trabajar en opciones de dirección muy variadas.

 

Xavier Borrell Solá
Xavi Borrell durante su etapa en TVAzteca


¿Cuál sería tu trabajo ideal, el que desearías poder llevar a cabo de contar con los medios?

Bueno… me gustaría trabajar, siendo una opción muy ideal (jaja), sin una presión excesiva en cuanto a tiempos porque siempre que he trabajado en series, en las que he dirigido, había un contador de tiempo que te obligaba a acabar una serie de ciertas páginas por día. Este hecho tiene que ser así, no se puede evitar por cuestiones económicas. Pero digamos que me gustaría que el margen de tiempo, a la hora de grabar, fuese mayor y poderme dedicar más a los planos, a la iluminación, a dirigir a los actores… Al mismo tiempo, que tuviera una relación muy fluida con el show-runner (al que llaman así en muchas series, cuando siempre le hemos llamado productor ejecutivo -un nombre extraño porque es un creador nato). Tener un guion que me encantara sería, también algo ideal así como poder elegir a los actores, que fuesen los que me gustaran. O poder, al menos, entrar en el proceso de casting (que esto no siempre es posible por parte de los directores, aunque algunos actores crean que los directores escogen a los actores).

Si pudieses hacer tú el casting, ¿optarías por prototipos estéticos y grandes figuras o buscarías otras opciones?

Me gusta la variedad. Haría un casting dirigido a conseguir actores importantes y desconocidos. Porque con los actores de toda la vida vas a tiro fijo, pero experimentas menos. 

Cuando ves cine clásico, te das cuenta de que ellos contaban mucho con los mismos actores y no siempre porque fuesen la mejor opción para el papel, pero eran fotogénicos y buenos profesionales. 

El mundo de los actores es muy duro. Habría que dar más oportunidades a actores menos conocidos. Recordemos que el 90% de los actores no consiguen vivir de su profesión y deben combinarla con otros trabajos o… pasarlo muy mal. Por lo que, si de mí dependiera, alternaría para poderles dar trabajo al máximo de actores y actrices posible. Claro que eso está en mano de muchos factores y, como digo, raro es que entre un director en un casting. 

Por otra parte, has de intentar romper con estéticas y contar las historias con estilos más arriesgados. Por eso es tan importante trabajar codo con codo con el director de fotografía: para el carácter estético de la ficción. Pero, eso es algo que consigues en pocas ocasiones. Si trabajas para rodar muchos capítulos, en un tiempo limitado de ejecución, es más difícil. Solo cuando eres un director con mucho prestigio puedes tener más libertad y generar tu propia tendencia estética, contando con todo lo necesario (desde el casting a los equipos técnicos y decisiones necesarias). 

Y, piensa una cosa: esta profesión, con sus dificultades, se lleva a cabo, sinceramente, por amor al arte (algo que no se da en todos los sectores). No solo en el caso de los actores: a todos nos pasa. No se trata de un trabajo fijo donde sabes que vas a cobrar todos los meses. Y esto puede llegar a ser muy duro para todos los profesionales del sector. El mismísimo Guillermo del Toro, por ponerte un ejemplo, lo ha pasado muy mal en su carrera (gente que, incluso habiendo sido premiados con un Oscar, puede pasar años hasta contar con un nuevo trabajo).

¿Cómo se articula la gestación de una serie? ¿Cuáles son los pasos para poder concretar que, efectivamente, se va a poder llevar a cabo?

Puede partir porque unos guionistas accedan a una productora con unas ideas, con un guion literario, con una biblia; que a la productora le interese el tema y lo mueva por las diferentes ventanas de exhibición como las plataformas o las televisiones convencionales. Este es un modo pero no es el único. Puede ser que la plataforma y/o la productora exijan o busquen un tipo de serie en concreto, se pongan en contacto entre ellas y busquen luego a unos guionistas con las características que ellos buscan. Puede también que se desarrolle al querer contar con algún talento (director-showrunner) en particular y se le pida que elabore una serie.

¿Qué contenido audiovisual consumes? ¿Cuáles son tus preferencias? ¿Puedes disociar tu consumo como particular del consumo que haría un profesional o siempre estás analizando lo que observas?

Ver todas las series me puede resultar muy estresante. Pero, intento ver el primer capítulo, o primeros capítulos, para ver de qué van y cómo están hechas. Si me interesan mucho, las acabo. 

Existen bastantes series que son demasiado largas. Yo estoy muy acostumbrado a ver el formato cine: en dos horas se puede contar la mar de bien una historia. Y, aunque hay muchas series con la misma calidad que las películas, prefiero ver miniseries. Luego hay series, como Los SopranoDos metros bajo tierra o Mad Men, que sí las he terminado (pero son excepciones). 

Por ponerte algo de lo que he estado viendo últimamente, te diría que me gusta muchísimo La amiga estupenda, que está dirigida por Saverio Costanzo,  con el que me siento muy identificado con su forma de dirigir. También hay otra europea que es Recursos inhumanos que me gusta mucho, así como la comedia El método Kominsky. En estos casos, los directores son más reposados, más dedicados a los buenos personajes, y a explicar los acontecimientos con mucha sutileza y psicología.  

Pero, la verdad es que me gusta de todo un poco: La Casa de Papel y otras con estilos más a la americana también me han gustado mucho. En fin, me gusta de todo un poco, aunque me siento más identificado con la forma de dirigir de los directores europeos.

 

Me siento más identificado con la forma de dirigir de los directores europeos.

En cuanto a los guiones, ¿El director los retoca? 

El guion técnico lo hacemos los directores a partir del guion literario, y en él ponemos el tipo de planos que haremos y, en ocasiones, dónde lo rodaremos (también puedes hacer el alzado y un storyboard para mostrarlo al equipo). 
 
Pero el guion literario, el que recibimos muy depurado, lo retocamos solo, a veces, en las series diarias (y por supuesto, lo menos posible) porque se escribe tan rápido que puede haber hasta algún pequeño error. En series semanales, casi nunca se toca. Y, de necesitar hacerlo, hemos de llamar al guionista y al productor ejecutivo para ver si se puede alterar, siempre argumentando el porqué.
 
 

El guion técnico lo hacemos los directores a partir del guion literario

¿Cómo debe de ser un buen guion? Se entiende que es la búsqueda de un objetivo del protagonista que encuentra dificultades para conseguirlo. Pero, siendo que todos tienen eso en cuenta, ¿cuáles son los que te resultan más atractivos como director? ¿Tienes algún criterio predilecto?

Me gustan los guiones que cuentan con personajes interesantes, que aman a los personajes. Preferentemente, los que sean de corte bastante psicológico. Pero, aunque parezca una contradicción, a la hora de ver series, como te comentaba, consumo también series de acción en las que no es tan importante el trasfondo de los personajes o comedias con las que pretendo divertirme. Aún así, me atraen más las que se basan en guiones que consiguen que me identifique, al menos, con el personaje principal y, en la medida de lo posible, con el resto de los personajes. Me gusta que esté narrada como un buen libro que pretenda que te identifiques con el personaje principal (preferentemente escritos en primera persona) para que te lleguen a lo más íntimo.

 

Me gustan los guiones que cuentan con personajes interesantes, que aman a los personajes.

¿Es imprescindible pasar por una escuela audiovisual, una universidad, para llegar a ejercer como director? ¿Ocurre como en USA donde el Actor’s Studio -para los actores- o el American Film Institute son referentes que se suelen tener muy en cuenta para poder desarrollar una carrera?

Hay algunas escuelas de las que han salido grandes directores, pero quisiera destacar que, si bien para algunos directores ha sido un plus el ir a una escuela, no es imprescindible para ser director. Hay algunos directores españoles como Almodóvar, Bollaín o Coixet y extranjeros como Kubrick, Kurosawa, Herzog, Wilder (entre muchos otros) que no han estudiado la profesión en una escuela. Hay otros muchos que sí han salido de ellas: concretamente aquí, del ESCAC, del ECAM, etc. como, por ejemplo, Bayona o Mar Coll. Pero, aunque las escuelas en España están cada día mejor, y como ocurre con las de música y otras artes, aún no conseguimos llegar al nivel anglosajón. Pero ahí estamos, con muchas ganas de contar buenas historias y con profesionales cada vez más talentosos.

 

No es imprescindible ir a una escuela para ser director

Ser director es un oficio y muchos lo han aprendido comenzando por unos inicios más autodidactas, comenzando con cortometrajes, o que vienen del mundo de la publicidad o de los videoclips, o bien partieron como escritores… Hay un batiburrillo de orígenes entre los directores y, además, ir a una escuela no es garantía para poderte dedicar a ello.

 

Xavier Borrell Solá
Xavi Borrell | Director
 

¿Cómo llegaste tú al mundo audiovisual?

Yo estaba estudiando Económicas, pero no me gustaba y una amiga fotógrafa me llamó para acompañarla a hacer unas pruebas trimestrales en el Instituto Oficial de RTVE y, por cosas del destino, las acabé aprobando yo. Allí me formé como cámara, con una subvención de TVE. De ahí pasé a la ayudantía de realización que era lo que, en realidad, me gustaba. En esa época no existía ninguna carrera donde estudiar cine o televisión.

Al principio, en los ’80, no se hacía prácticamente ficción en España y no conseguí trabajo fácilmente, pero luego los profesores de TVE me fueron dando trabajo y estuve 7 años trabajando, haciendo todo tipo de programas. Por otra parte, de tanto en tanto, tuve la oportunidad de trabajar como realizador. Fue una gran escuela. 

¿Qué le recomendarías, con la mente fría y el corazón en la mano, a un estudiante o a un recién titulado en el sector audiovisual? 

Yo le recomendaría que se moviera mucho porque, parece que el trabajo abunda, y es verdad que se hacen muchas más series ahora que antes, pero también hay mucha competencia. Lo que siempre recomiendo y, además he intentado ayudar a varios estudiantes con ello, es que no solo muevan currículos, sino que se den a conocer, que insistan, que intenten ir a prácticas, rodajes,… Hay que mover todos los hilos posibles que puedas porque no es fácil llegar a trabajar en esta profesión.

 

Hay que mover todos los hilos posibles que puedas porque no es fácil llegar a trabajar en esta profesión.

¿Cómo crees que las grandes plataformas digitales van a evolucionar? ¿Se abrirán a productoras de menor envergadura? 

Sí y es deseable. Y, de hecho, lo están haciendo, están llegando ya a productoras de menor envergadura que están trabajando en coproducción con otras mayores o con alianzas internacionales. Hay una serie de creadores jóvenes que están sobresaliendo y que vale la pena tener en cuenta (y algunos salen de esas escuelas que hemos mencionado antes).
 
Respecto a si evolucionará: hay gente que cree que esto es una burbuja, pero yo creo que va a durar unos cuantos años más. El entretenimiento es un bien muy necesario, se ha visto en esta pandemia de la #COVID-19, y hay un fervor brutal sobre las series: la gente consume cada vez más las plataformas y, aunque pueda haber oscilaciones, hay ahora y habrá más creación audiovisual.
 
 

El entretenimiento es un bien muy necesario, se ha visto en esta pandemia de la #COVID-19.

Pues, consideremos que existen muchos tipos de entretenimientos y de gustos entre el público. Desde los 2000 hacia esta segunda década del s.XXI, parece que nos hemos ido haciendo más políticamente correctos. Exceptuando algunas series, da la impresión de que el entretenimiento es más mojigato, aun estando en la era del porno. Salen pocos frontales masculinos en las series y muchos femeninos. Aunque es cierto que, por ejemplo, en la publicidad parece que se van ajustando las sensualidades de ambos sexos y la proporción en la que salen.

¿Crees que los guionistas y las plataformas se ven obligados a vetar ciertas expresiones artísticas? Por ejemplo, en El Padrino usaron una cabeza de caballo para una escena. ¿Influyen los -ismos (animalismos, feminismos) en el contenido que consumimos? 

Creo que se podría decir que #HBO tiene menos reparos con las escenas de sexo y de cierta violencia. Por ejemplo, en series y películas de Álex de la Iglesia y en otras como Euphoria en la que, además, se aborda una temática controvertida. 
 
En general, las plataformas buscan un punto de comercialidad importante. Si lo equiparas con el cine de autor de los cincuentas, ’60s o ’70s, nada que ver… Ahora hay otro tipo de autores que no se ahondan en cambios de estilo narrativo. De la misma manera que la increíble música POP de los setenta ha muerto y se ha sustituido por música de reggaeton, ya no existen tantos cineastas que apuesten por una manera de arriesgada de contar historias. Tiene que recordarnos alguien como Tarantino algunas joyas del cine español de los setenta para hacernos reflexionar al respecto: por ejemplo, Alguien puede matar un niño, La residencia o Condenado a vivir  
 
Vale la pena recordar, que en los albores de la televisión, hubo directores de cine que hicieron incursiones en series (Goddard, Rosellini, Bergman). También una hornada de grandes directores americanos (como Arthur Penn) procedían de la televisión. Opino que es buena la interacción entre ambos medios. 
 
Es cierto que frontales masculinos salen menos que femeninos y esto, por suerte, se está empezando a equiparar. Para mí, no es necesario ser explícito con las escenas sexuales. Con insinuar resulta suficiente en la mayoría de los casos. No por ser naïf o mojigato, que no me gustaría que se me tachara de ello (ja, ja) porque está muy lejos de la realidad. Pero, exceptuando los casos en que el tema es justamente el sexual, no me parece absolutamente necesario. Por ejemplo, en los casos como el de Lars von Trier en Nymphomaniac o el de  Marco Bellocchio en El diablo en el cuerpo o como en las 50 sombras de Grey, sería absurdo que no ahondasen en escenas propias del tema, pero más allá de eso… es mejor ser más elegante.
 
Respecto a la problemática con el uso de animales muertos, se ha de entender que trabajamos con animales que ya han estado sacrificados por uso de mataderos, para alimentación. Cumplir con las normas que impondrían los veganos, de no comer animales o tratarlos con caricias y, por tanto, no contar con el uso de animales vivos o muertos… sería muy difícil. Yo, por ejemplo, para una serie en la que debía meter un bodegón con un conejo muerto, usé un conejo que producción consiguió en un matadero. Hacerlo con un conejo creado ad hoc hubiese sido mucho más complicado.

¿Has dirigido secuencias con sexo explícito?

No explícitamente sexuales, pero en muchas de las series he hecho secuencias de cámara en las que he tenido que poner mucho cuidado para que no se viese un pezón o una nalga. Ahora, por condicionamientos culturales y morales, como los que comentabas, se comienza a mostrar más el cuerpo humano femenino pero, como he mencionado anteriormente, se va teniendo menos pudor en mostrar también el masculino. 

Una cosa que nos llama mucho a los ajenos al sector es por qué siempre se comenta que madrugáis mucho. ¿Es eso así o es un tópico que nos hacéis creer? 

No, no… no es ningún tópico. Es necesario porque los actores y actrices han de estudiar mucho, sobre todo si son series diarias. Necesitamos terminar las jornadas para que dispongan de unas horas para preparar el día siguiente. Además hay que tener en cuenta los procesos de maquillaje.
 
Por otra parte, se han de rentabilizar los alquileres de los platós, si es en interiores. Además, antes se hacían muchas horas aunque las plataformas lo han regulado bastante y ya no son tantas al día (aunque hemos llegado a hacer 10h e incluso 12h -yo trabajé así en México). Hay que aprovechar las jornadas lo máximo posible. No hay que olvidar que la televisión y el cine son arte e industria.
Xavier Borrell
Con Damià Plensa y Darko Perić

Pero, fíjate que hay un problema añadido: los sindicatos controlan, lógicamente, las horas de descanso (las 12h) y esto afecta de manera que si, por ejemplo, estás comenzando la convocatoria de claqueta (el inicio de rodaje) a las 8h durante una semana (y el maquillaje empieza, por tanto, en muchas ocasiones a las 6AM) se termina a las 15h o hasta las 18h (depende); pues, resulta que la semana siguiente, debes rodar una semana por la tarde (o un día se te complica por solicitud de permisos en un aeropuerto o dónde sea) y debes convocar respetando nuestras horas de descanso, las 12h. Esto puede obligarnos a dividir, para un mismo capítulo, el equipo de dirección en dos (seremos dos directores grabando secuencias para un mismo capítulo). O bien, grabando secuencias de diferentes capítulos, porque puede pasar que estés grabando con los mismos actores pero sobre diferentes capítulos y el orden y los horarios se deben respetar (lo que se consigue con un software que se llama Movie Magic Scheduling que lo maneja el ayudante de dirección). También puede pasar que un director esté grabando en plató por la mañana y después pase a grabar por la noche en el siguiente capítulo.

En fin, es algo lioso pero se busca sacar los números sin restar en nada y puede pasar que debas tirar de otros directores para que te dirijan secuencias tuyas, de tu capítulo, o ir alternando capítulos.

Ten en cuenta, además, que trabajamos con una orden, una página que nos dan al final de la jornada para preparar la siguiente. Ésta permite revisar qué y cómo vamos a dirigir el día posterior. Usándola hablamos los directores con el iluminador y el ayudante de dirección y se comenta sobre qué sets, qué decorados, qué tipos de secuencia serán, los tiros de la cámara, dónde las colocarás; si van a ir maquillados de un modo concreto o va a haber efectos especiales, etc.

Entonces, ese es el final de la jornada del director. Pero, ¿cómo es una jornada completa contando con que ya conocemos cómo acaba?

Sí, ése es el final de las jornadas que suelo comenzar con saludar a todo el mundo, voy a maquillaje y hablo con los actores y pregunto al ayudante de dirección qué tal avanzan los maquilladores y el vestuario; luego hablo con el director de fotografía y con el operador de cámara para comentar por dónde voy a empezar a rodar. Después, hablo con sonido también porque es fundamental (para mí es casi el 50% del buen trabajo) para que se entiendan bien todos los diálogos y para que no haya problemas posteriores en el proceso de post-producción de audio. Y, mientras estoy preparando las cámaras para ver si hay que colocar vías o una steadycam o una grúa, o un tipo de óptica determinada, se va revisando cómo está terminando el maquillaje. Luego, mientras terminan de colocar las cámaras y la iluminación, me pongo a un lado con los actores para revisar el texto, leyéndolo primero y luego, sin leerlo, vemos si se lo saben de memoria, si quieren preguntarme alguna cosa sobre el personaje o sobre sus intenciones, entre otras cuestiones. Entonces se hace una puesta en escena de la primera secuencia (una mise en scène) en la que mueves a los actores, van diciendo los textos y los rectificas (de ser necesario).  

Hay directores que, cuando la secuencia es muy larga, hacen estas revisiones pero las hacen troceándola para que no resulte tan larga. Y vas rodando poco a poco. A veces en orden, pero otras veces, si no vas a mover la cámara (por ejemplo, si se levantan de una mesa por una pelea), pues grabas primero lo de la mesa de antes y de después de “haberse levantado” para hacer la pelea tras esto. Pero, si resulta que en la pelea hay sangre, lo haces en orden para que vengan maquillados con esas heridas a la siguiente parte en la mesa.

Todo esto lo has de tener organizado, con los tipos de planos que necesitas y vas siguiendo el guion, habiéndolo desmenuzado en planos. Te haces una especia de storyboard mental que se puede revertir en un guion técnico y que vas comunicándolo lo mejor posible a todo tu equipo, siempre contando con la script (supervisor de continuidad) al lado para que no haya ningún tipo de problema con el raccord.

Vas rodando, a lo largo de la jornada, varias secuencias y ante cada secuencia, hay una claqueta que te marca en qué toma y en qué plano de qué cada una de las secuencias estás.

Luego, vas a comer, si has de seguir por la tarde y, cuando termina el rodaje, no te vas a tomar unas cañas siempre… Lo habitual es irte a tu casa a preparar el día posterior. Es un trabajo apasionante pero que demanda tu atención al 100%.

Previo a todo esto, te has tenido que empapar de tu capítulo hasta sabértelo al dedillo y hacer muchas reuniones con todos los equipos: primero con los guionistas y luego con los medios técnico-artísticos. 

Y cuando terminas tu capítulo te vas a montaje. Cuando ya lo has terminado, y es mucho trabajo, te vas a la post-producción de audio donde se añade la banda sonora y, después, viene la colorimetría que es donde acabas el remate final del color, el etalonaje. Faltarían los títulos de crédito, conformar las copias, etc.

A propósito de la música, en las series de ficción, ¿cómo trabajáis?

Antiguamente, yo había llegado a ver ediciones de bobina abierta… con pegamento. Ahora todo es más fácil. Se trabajan las secuencias sobre todo con Pro Tools y se tira bastante de samplers. Las mesas de sonido cada vez tienen más posibilidades y la digitalización ha ayudado mucho al respecto.

Es interesante destacar que, por lo que se ve en las fotos que me has pasado, el buen rollo es habitual, a pesar del trabajo. Pero, ¿es realmente así? ¿Nunca resultáis tiranos los directores? 

Sí, a veces podemos parecer algo tiranos y, como podrás imaginar por el tema de horarios, no siempre estamos de buen humor, ni los directores ni los actores ni todos los que están implicados en dar un producto final lo mejor posible (son muchas personas implicadas, muchas más de las que imaginamos). Pero, en ocasiones, se consigue una especie de rodaje ideal donde reina el buen rollo y existe un clima magnífico de trabajo. Hay que aspirar siempre a lograrlo, sin duda.

Hablando de la vieja escuela, ¿hay diferencias muy importantes entre cómo se grababa antes y cómo se suele grabar ahora?

Sí, hay diferencias. Antes las series se grababan en formato multicámara y ahora se tiende a grabar como si fuese cine, con 1 o 2 cámaras. Se rueda por campos y se puede direccionar mejor la luz. Las cámaras actuales permiten una calidad visual increíble. En este sentido, la evolución ha sido clara.

De no haber sido director, ¿a qué te hubiese gustado dedicarte? 

A músico de Rock porque hacer giras, conocer países y gente… ya sé que debe de cansar, pero… yo toco el piano y estar haciendo música en un grupo durante unos años y grabar discos… me parece fantástico. 

Luego quizá arquitecto, cirujano, escritor… Pero, sobre todo, me hubiese gustado ser músico de Rock.

Viendo que destacas el tema de las giras, y queriendo incidir en el factor humano, me gustaría mencionar algo que nos afecta a músicos, a actores/actrices y a cantantes, etc. Es decir, gentes que no tenemos un horario de oficina, como cantaba Dolly Parton en “Nine To Five (9 to 5)”, en la película que llevaba el mismo título… ¿Crees que es fácil vivir en pareja? 

Es difícil. Se paga caro trabajar con amor a tu arte. Pueden verlo como que tu trabajo está por encima de todo. 

A mí me gusta pensar que tener hijos, a pesar de lo difícil que es en esta profesión, por épocas con faltas de trabajo y por los horarios, es algo que nos podemos permitir todos/as si conseguimos tener al compañero/a que nos pueda entender y complementar.  

La confianza es necesaria en todo, el apoyo mutuo. Piensa que durante las épocas que no tenemos trabajo, tenemos más tiempo y eso también es una ventaja, tanto para criar como para cuidar de la pareja. Pero, vamos… que se trata de entender el contexto en el que estáis, tanto tú como tu pareja.

¿Cuál es la serie que estás viendo ahora? ¿Cuál nos recomiendas? Según tu respuesta, en una pregunta anterior, puedes llegar agobiarte con tanta serie en streaming. ¿Por qué escoges esta recomendación?

Pues la que estoy comenzando a ver ahora, y me gusta, es Los Durrell, en #Filmin. ¿Sabes? Lo del streaming es genial porque lo tienes todo pero, como te decía antes, llega a agobiar un poco, pero se pierde la magia de tener que ir o bien al cine o bien al videoclub y veías las carátulas. Pero lo del streaming… no acabo de adaptarme, a veces, a tanta oferta (ja, ja).

Esta entrevista está dedicada a sus hijos: Maria, Albert y Clara.

VÍNCULOS:


Xavi, gracias por haberme permitido entrevistarte y por la paciencia, la cercanía y la exhaustividad de las que has ido tirando para ir respondiendo a cada una de las preguntas.

#xaviborrell #sintetasnohayparaíso #águilaroja #carmennikol #directordeseriesdeficción #directordepublicidad #directordeprogramastelevisivos



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Alerta: cenizas. | Artículo escrito por el Antonio Alonso, Comandante de Airbus 350 (Flota de largo recorrido de Iberia). En Entrevisttas.com

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Publicado por Entrevisttas.com

Entrevisttas.com comienza su andadura sin ánimo de lucro, como el blog personal de Carmen Nikol. Se nutre, principalmente, de entrevistas y artículos realizados por ella misma y por algunos colaboradores. Con el tiempo, desarrolla su sistema de colaboraciones con autores de renombre en diferentes materias como las ciencias, el derecho, la investigación, el deporte... Y busca constituirse como una revista. ¿Quieres colaborar? No dudes en contactar.

2 comentarios sobre “Xavi Borrell | Dir. Ficción

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